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Ein Blick auf die Produktionsbudgets in Hollywood lässt den Irrglauben zu, dass nur diejenigen einen Film drehen können, die entweder Millionäre sind oder gute Beziehungen zu großen Produktionsstudios haben. Klar, zum Teil stimmt das auch. Die Filmcrew will schließlich bezahlt werden und auch das Equipment gibt’s nicht umsonst. Das schafft Barrieren, die die Stimmen von weniger privilegierten Menschen unterdrückt. Moderne kostengünstigere Technologien können da Abhilfe schaffen und neue Wege ermöglichen, wie ein Film aussehen und produziert werden kann.

In dieser Filmmagazin-Folge beschäftigen wir uns mit einem der erfolgreichsten Horrorstreifen aller Zeiten, der mit einem verschwindend geringen Budget zu einem kulturellen Phänomen wurde. Das schaffte er, indem er das Potential des noch jungen Internets erkannte und für sich nutzte. Allerdings offenbarte sich dadurch auch, welche Gefahren im neuen Medium lauerten. In unserer zweiten Geschichte hören wir etwas über Trash-Ikonen und einem Verleihservice, der das Leben vieler Filmschaffender erleichtern will. Zudem fragen wir uns, ob die weiter fortschreitende Digitalisierung irgendwann so genannte „Gatekeeper“ obsolet macht.

Shownotes

Die Macht des viralen Marketings

Vice: ‚They Wished I Was Dead‘: How ‚The Blair Witch Project‘ Still Haunts Its Cast

The Ringer: The ‘Blair Witch’ Extended Universe: How a Tiny Indie Film Became a Horror Sensation—and Invented Modern Movie Marketing

The Guardian: How we made The Blair Witch Project

The Week: The Blair Witch Project: An oral history

Vice: The Terrifying True Story of How ‚The Blair Witch Project‘ Was Made

Die Gatekeeper und die Demokratisierung im Film

KitSplit: Democratization of Film: How To Make Filmmaking Accessible To All

New York Times: Film Is Dead? Long Live Movies

Reindance: How is Digital Technology Reshaping the Film Industry?

Wired: How Tech Has Shaped Film Making: The Film vs. Digital Debate Is Put to Rest

All Art Schools: Is a Digital Filmmaking Career for You?

Raindance: The Democratisation Of Filmmaking – Is It Enough To Have A High Quality Camera?

Wikipedia: Digital cinematography

Bitkom-Studie: Das Smartphone verändert die Digitalfotografie

Durch Filme die öffentliche Meinung beeinflussen. Das ist kein neues Konzept. Einer der Filme über die wir in dieser Folge sprechen, kommt aus den 1950ern, der andere ist noch keine 5 Jahre alt. Spätestens als das Kino (und damit das bewegte Bild im Allgemeinen) immer populärer wurde, stieg auch das Interesse der Personen daran, die es für Manipulation nutzen wollten.

Wir erzählen die Geschichte des freundlichen Atoms, dessen wunderbare Kraft der Menschheit lange verborgen blieb. Doch durch die unermüdliche Arbeit von genialen Wissenschaftler*innen ist es gelungen, jene Kraft zum Wohle aller einzusetzen. Die Atomenergie wird uns unendliche saubere Energie bringen und Probleme wie Hunger oder Krankheiten für immer lösen. Das sagt zumindest eine Episode der beliebten Fernsehserie Disneyland aus dem Jahr 1957. Das allein würde wahrscheinlich für den Vorwurf der Propaganda noch nicht reichen – vielleicht war Walt Disney einfach nur ein großer Atomkraft-Fan? Schaut man sich allerdings an, wer die Folge für das Kinderfernsehen mitproduziert hat, sieht das schon ganz anders aus.

In unserer zweiten Geschichte hören wir von einem Film, der 2017 in die türkischen und die deutschen Kinos kam. In Reis erzählt Regisseur Hüdaverdi Yavuz die heldenhafte Lebensgeschichte des türkischen Staatsoberhauptes Recep Tayyip Erdoğan. Glaubt man dem Film, dann muss dieser Erdoğan ein wirklich toller Typ sein. Als Hauptdarsteller Reha Beyoğlu gefragt wurde, ob denn gar keine Schwächen des Machthabers im Film gezeigt würden, antwortete dieser: „Er hat keine Schwächen!“. Noch dazu erschien der Film in der Türkei – natürlich rein zufällig – an Erdoğans 63. Geburtstag und – ebenfalls rein zufällig – unmittelbar vor der Volksabstimmung über die Einführung des umstrittenen Präsidialsystems. Warum sich das alles für den Regisseur trotzdem nicht ausgezahlt hat, erfahrt Ihr im Filmmagazin.

Shownotes

Unser Freund das Atom

F.A.Z.: Unser Freund, das Atom

Wikipedia: Unser Freund das Atom

Ina Heumann, Julia B. Köhne: Imagination einer Freundschaft – Disneys Our Friend theAtom. Bomben, Geister und Atome im Jahr 1957.

ZDF: Atomkraft – Die Energiefrage spaltet die Menschheit

Wikipedia: Walt Disney anthology television series

Wikipedia: Heinz Haber

Wikipedia: Operation Overcast

Wikipedia: Propaganda

Duden: Propaganda

Der heldenhafte Machthaber

Deutsche Welle: Deutschlandstart des Erdogan-Films „Reis-Das Oberhaupt“

F.A.Z.: „Ich bitte euch, gebt mir den Segen“

Neue Zürcher Zeitung: Propaganda pur

Reddit: Turkey jails filmmaker for movie portraying execution of Erdogan

Filmgeschichtsschreibung hat häufig einen Männerblick. Männer haben den Film erfunden. Männer waren die Pioniere, die zunächst normale Züge und später immer komplexere Szenerien abfilmten. Das stimmt so aber nicht. Oftmals hatten auch Frauen einen großen Anteil daran, wie sich das Medium weiterentwickelte. In dieser Filmmagazin-Folge hören wir zwei Geschichten über verkannte Frauen in der Filmbranche, die trotz großer Leistungen in Vergessenheit geraten sind (oder absichtlich vergessen wurden?!).

Zum einen wäre da Alice Guy-Blaché. Schon 1896 drehte sie ihren ersten 60-sekündigen Streifen und gilt als erste Film-Regisseurin überhaupt. Im Laufe ihrer Karriere schuf sie über 700 Filme und etablierte mit ihrem eigenen Produktionsstudio neuartige Drehtechniken – vom Splitscreen bis zur Mehrfachbelichtung. Ihr beruflicher Erfolg in den USA endete jedoch in 1920er-Jahren und damit auch ihre Zeit als Filmemacherin. Lucas erzählt uns, warum die Pionierin noch heute in kaum einem Filmseminar besprochen wird.

Helma Sanders-Brahms könnte wohl ebenfalls ein Liedchen davon singen, dass es ihr Männer und vor allem die heimische Presse immer schwer gemacht haben. Die Regisseurin war eine wichtige Vertreterin des Neuen Deutschen Films, ihre Filme behandelten gesellschaftskritische Themen aus einer spezifisch weiblichen Perspektive. Während im Ausland Filme wie Deutschland, bleiche Mütter als Meilensteine gefeiert wurden, schrieben deutsche Kritiker Verrisse. Heute findet man kaum mehr einen Trailer ihrer Filme, geschweige denn eine DVD oder VHS-Kassette. Martin reißt ihre Biographie an und bespricht ihre wichtigsten Filme.

Shownotes

Der blinde Fleck des Neuen Deutschen Films

Tagesspiegel: Zum Tod der Filmemacherin Helma Sanders-Brahms

FAZ: Der weibliche Blick – ein männlicher Mythos – Ich. Heute. 10 vor 8.

Konstnärligt seminarium med Helma Sanders-Brahms i Filmrummet

Die vergessene Filmpionierin

Wikipedia: Alice Guy-Blaché

Wikipedia: Cinematograph

Deutsche Welle: Rediscover the first woman of film history: Alice Guy

Michelle Millar: Alice Guy: a life in motion

Website des Films „Be Natural: The Untold Story of Alice Guy-Blaché“

In dieser Folge erzählt Lucas die Geschichte von einem schrecklichen Unfall am Set des Filmes „Twilight Zone“ im Jahr 1982, bei dem ein Mann und zwei Kinder ihr Leben verloren – ausgelöst durch Leichtsinn und Ignoranz der Verantwortlichen. Martin beschäftigt sich mit dem finanziellen und inhaltlichen Fiasko von Fantastic Four aus dem Jahr 2015. Er erzählt dabei, wie die Karriere eines aufstrebenden Nachwuchs-Regisseurs nach einem fulminanten Start scheiterte.

Shownotes

Der Twilight-Zone-Zwischenfall

Wikipedia: Twilight Zone accident

History: Actor and two children killed on „Twilight Zone“ set

Wikipedia: Vic Morrow

New York Times: NOT WORTH DYING FOR

Los Angeles Times: Hollywood Loses a Vietnam : Indian Dunes: TV and movie producers mourn the impending new role of the popular Valencia shooting location

SLATE: A New Dimension of Filmmaking

Der Absturzbericht

Playboy: THE PLAYBOY INTERVIEW WITH EDDIE MURPHY

Fantastic Fail

Polygon: The post-disaster artist

The Hollywood Reporter: Inside a ‚Star Wars‘ Firing: ‚Fantastic Four‘ Problems Led to Director Josh Trank’s Ouster

Entertainment Weekly: ‚Fantastic Four‘ director Josh Trank disses his own movie

Comicbook.com: Miles Teller & Josh Trank Nearly Came To Blows On The Fantastic Four Set

Eine komplette Sprache erfinden? Wieso nicht? In dieser Episode sprechen wir über fiktionale Sprachen, die extra für Filme bzw. Serien entwickelt wurden. Eines der bekanntesten Beispiel dafür ist sicher Klingonisch aus dem Star-Trek-Universium, aber auch für den James-Cameron-Blockbuster Avatar wurde eine eigene Sprache entwickelt. Klingonisch und Na’vi klingen zwar grundverschieden, haben aber eins gemeinsam: Sie reichen mittlerweile weit über ihre Filme hinaus. Beide Sprachen werden von tausenden Menschen – als Hobby oder aus Liebe zum jeweiligen Franchise – gesprochen und stetig weiterentwickelt. Wir erzählen, wie die beiden wohl berühmtesten Fantasy-Filmsprachen entstanden sind. Außerdem geht es darum, wie durch Sprache Macht ausgeübt werden kann und was Klingonisch eigentlich mit der DDR zutun hat.

Shownotes

Paul Frommer und die Sprache der Na’vi

YouTube: Paul Frommer: Creating A Language

BBC Sounds: CrowdScience – How does a language begin?

Deutschlandfunk Kultur: Film – Laute ohne Lungenluft

New York Times: Skxawng! The making of science-fiction languages.

Was Klingonisch mit der DDR zutun hat

Wikipedia: Klingonische Sprache

Wikipedia: Marc Okrand

Wikipedia: Klingon Language Institute

YouTube: Marc Okrand on Klingon

Website: Klingonisch.net

Youtube: Star Trek: Discovery – Special with Marc Okrand

BPB: Sprache und Macht (Josef Klein)

BPB: Sprache und Sprachgebrauch in der DDR (Birgit Wolf-Bleiß)

Wikipedia: Atlantean Language

Deutsche Welle: Ostdeutsch für Anfänger

Krude Behauptungen, Falschaussagen und dubiose Quellen haben Konjunktur. Die Krise, die die Verbreitung von COVID-19 verursacht hat, holt das Schlechteste aus einigen Menschen heraus und scheint sie besonders anfällig zu machen für Verschwörungs-Erzählungen. Wir haben in dieser Folge nicht vor, diesen Leuten mit einem „Best-of-Verschwörungsgebrabbel 2020“ eine Bühne zu bauen. Stattdessen werden wir uns mit Verschwörungs-Erzählungen in Filmen beschäftigen. Denn die sind alles andere als selten. Tragen solche Filme damit eine Mitschuld daran, dass viele Menschen sich zu solchen „Theorien“ hingezogen fühlen?

Diese Erzählungen gibt es häufiger, als man denkt

Es geht uns nicht nur um Filme, die sich explizit mit Verschwörungstheorien auseinandersetzen (wie zum Beispiel Devil‘s Pass oder Das Philadelphia Experiment). Viel interessanter ist aus unserer Sicht: Verschwörungs-Erzählungen spielen als Plot-Device eine Rolle in sehr vielen „alltäglichen“ Filmen. Sei es, ganz offensichtlich, in Staatsfeind Nr. 1oder, eher im Hintergrund, sogar in den Filmen aus dem Marvel Cinematic Universe (Shield entnazifizieren, jetzt!)

Aber woran liegt das? Ist eine Verschwörung als Hindernis für Held*innen eines Filmes vielleicht besonders einfach zu konstruieren und damit schlicht ein Beweis für faules Drehbuchschreiben? Oder liegt es an uns Zuschauenden? Lieben wir vielleicht einfach Außernseiter*innen, die ganz am Ende mit ihren Vermutungen doch recht haben und alle Widrigkeiten überwinden?

Welchen Einfluss das auf uns hat, wollen wir in dieser Episode besprechen. Dabei taucht auch ein besonders naheliegender Beispiel auf: Matrix ist wohl die Urmutter aller Filme in den 2000ern, die sich mit Verschwörungen auseinandersetzen. Leider wird der Film mittlerweile immer häufiger (auch von der sogenannten Neuen Rechten) instrumentalisiert, um eine Brücke in die „Realität“ mit vermeintlich wahren Verschwörungen zu bauen. Als „Blue Pills“ werden dabei diejenigen bezeichnet, die diese Verschwörungen noch nicht erkannt haben. Ihnen gegenüber stehen die „Red Pills“, die schon aus ihrem Schlaf erwacht sind und die vermeintliche Wahrheit (mit anderen Worten: die kruden Ideologien) als ihre eigene anerkannt haben.

Tweet von Lilly Wachoswky (abgerufen am 30.5.2020)

Eine Anspielung auf die Wahl, vor die Neo von Morpheus zu Beginn von Matrix gestellt wird. Nimmt er die Blaue Pille ein, bleibt alles wie es war. Nimmt er jedoch die rote (was er tut), erfährt er die Wahrheit über die Matrix. Eine der Regisseurinnen des Films findet eine solche Inanspruchnahme ihres Werks jedenfalls weniger lustig.

„Die gehört mein Herz“, „Sei ein Mann“, „Kann es wirklich Liebe sein“. Erinnerungen werden wach, Herzen warm und die Zungen locker. Die meisten, die mit den großen Disney-Klassikern aufgewachsen sind, können diese Lieder mitsingen. Aber auch in der jüngeren Vergangenheit hat der mausohrige Medienriese aus Amerika bewiesen, dass man noch erfolgreiche Filmsongs produzieren kann. „Let it go“ aus Frozen ist wohl das erfolgreichste Stück Filmmusik, das es je gegeben hat und gleichermaßen Elsas Emanzipationsgeschichte wie zeitgenössischer Popsong. Für diese Folge unseres Filmmagazins haben wir uns gefragt, was eigentlich hinter dem Erfolg der Musik in Disney-Filmen steckt.

Der Erfolg der Disney-Songs

Über 2 Milliarden Aufrufe hat der Upload von „Let it Go“ auf dem YouTube-Kanal von Disney UK. Nochmal um das zu verdeutlichen. Bei Redaktionsschluss dieser Folge waren es genau 2.005.818.383. Wir waren mindesten 135 davon. In den letzten zwei Wochen. Natürlich konnte Frozen von einer enormen Verbreitung durch die sozialen Netzwerke profitieren. Ein Vorteil, den die Songs aus Herkules, Mulan und dem Glöckner von Notre Dame selbstverständlich nicht hatten. Doch auch sie sind ganz besondere Musikstücke. Maximilian Nicolai hat Musik auf Lehramt mit den Hauptfächern Komposition und Musiktheorie studiert und aktuell noch einen Bachelor in Komposition angehängt. Mit ihm sprechen wir darüber, wie unterschiedlich Disney-Songs aufgebaut sein können, wie eng sie mit ihrem jeweiligen Film verknüpft sind und welche Songs besser funktionieren und welche schlechter.

Ein Teil unserer Kindheit

Ist nicht jede*r von uns ein großer Disney-Fan? Als wir klein waren sahen wir die Filme nicht nur im Kino, wir hörten außerdem die Hörspiele dazu auf Kassette und konnte die Lieder nach kurzer Zeit schon mitsingen. So ging es auch Antonia Plobner. Und ihre Liebe zur Musik hat sich gehalten. Als Musikstudentin war sie an der Hochschule für Musik in Dresden sogar an der Organisation von zwei Disney-Konzertabenden beteiligt. Mit der angehenden Musiklehrerin sprechen wir auch darüber, ob Disney-Songs im Schulunterricht thematisiert und analysiert werden sollten.

Shownotes

Unsere Spotify-Playlist mit unseren Lieblings-Disney-Songs

Website von Maximilian Nicolai

New York Times: How Disney Turned ‘Frozen’ Into a Cash Cow

Telegraph: Why Frozen’s Let it Go is so darn catchy – according to science

General Music Today: Teachers’ Perspectives in Using Disney Songs in the Music Classroom

Mehr als sechs Millionen Zuschauer und elf Fortsetzungen sprechen eine eindeutige Sprache. Als der erste Schulmädchen-Report im Jahr 1970 in den deutschen Kinos erschien, war er ein Straßenfeger. Der Film zeigte Sexualität wie es Jahre davor noch undenkbar war. Jede wollte mit jedem und umgekehrt, in der Regel aber Jüngere mit Älteren. Sex zwischen Mann und Frau war nicht mehr nur in einem ehelichen Kontext zu sehen. Doch hinter dem angeblichen Tabubruch steckten auch höchst problematische Bilder, die besonders Frauen eine neue Rolle aufdrückten.

Man(n) sah einer voyeuristische Kamera zu, wie sie Minderjährige sexualisierte und zum Quell männlicher Begierde machte. Ein pseudo-wissenschaftlicher Anstrich mit Straßeninterviews erzeugte den Anschein von Authentizität und Repräsentativität. An allen Ecken und Enden wurde sexualisierte Gewalt zelebriert und verharmlost. Kurzum: Schaut euch die Schulmädchen-Reporte lieber nicht an! Damit ihr trotzdem wisst, was hinter diesem Kapitel deutscher Kinogeschichte steckt, haben wir uns mit der Reihe auseinandergesetzt. Wir sprechen in unserer Podcastüber bestimmte Details aus der Reihe, deswegen für diese Episode einige Content-Warnungen wegen: sexualisierter Gewalt, Vergewaltigung und Suizid.

Die Vorgeschichte zum Schulmädchen-Report

Den Filmen vorangegangen war ein gesellschaftlicher Wandel, der heute als „Sex-Welle“ bezeichnet wird. Mitte der 1960er-Jahre ändert sich das Körperbild, nackte Körper sind im öffentlichen Raum wesentlich häufiger zu sehen, Erotik-Verlage feiern Rekordumsätze und ab 1968 propagierte die Studentenbewegung die Befreiung der Frau.

Dahinter steckten aber vor allem neue Zwänge und Normen, erzählt uns der Historiker Dr. Pascal Eitler im Interview. Er lehrt aktuell an der Medizinischen Hochschule Hannover und forscht zur Körper-und Emotionsgeschichte des 19. und 20. Jahrhunderts. Mit ihm unterhalten wir uns über die geschichtlichen Hintergründe, die den Schulmädchen-Report erst möglich machten.

Original-Poster von Teil 8

Indizierung und problematische Inhalte

An einen Großteil der Filme kommt man heute nur noch schwer heran. Das liegt daran, dass sie sich auf dem Index der Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien (BPjM) befinden. Obwohl es bereits Anträge zur Streichung gab, wurde bei Teil 1 und 3 nachträglich sogar eine mögliche strafrechtliche Relevanz wegen Kinderpornographischer Inhalte festgestellt. Über den derzeitigen Stand informiert uns Michael Terhörst von der BPjM. Wir klären zudem wie ein Indizierungsverfahren abläuft und welche rechtlichen Konsequenzen daraus folgen.

Mit der Journalistin Emeli Glaser betrachten wir die Reihe aus heutiger Sicht. Wir schauen uns an, wie sie Frauen und Männer porträtiert und dabei bestimmte Opfer-Täter-Narrative aufbaut. Emeli Glaser hat in einem Artikel für die FAZ den ersten Schulmädchen-Report genauer unter die Lupe genommen und in Bezug zur 68er-Bewegung gesetzt.

Linkliste – Shownotes

Pascal Eitler

Pascal Eitler an der Medizinischen Hochschule Hannover

Wissenschaftliche Publikationen auf Academia

BPjM

Webseite der BPjM

Emeli Glaser

FAZ-Artikel von Emieli Glaser über den Schulmädchen-Report

Twitter-Kanal von Emeli Glaser

Der Ausbruch des neuartigen Corona-Virus Sars-CoV-2 versetzt uns nicht nur alle in die Lage, mal die Vorzüge und Nachteile von Home-Office kennenzulernen, sondern ist für einige Berufsgruppen auch ein harter Einschnitt. Derzeit sind so ziemlich alle Film- und Seriendrehs unterbrochen. Das trifft insbesondere Selbstständige, die auf Aufträge von Produktionsstudios angewiesen sind und jetzt ohne Arbeit dastehen.

Folgen der Corona-Krise

In dieser Sonderfolge sprechen wir mit drei Filmschaffenden aus unterschiedlichen Bereichen der Branche und erfahren wie sie die aktuelle Lage meistern. Da wäre Axel Rothe, Kameramann und Color-Grading-Artist, dem mehrere große Projekte weggefallen sind.

Johannes Pursche, er schreibt Dialog-Bücher für Synchronstudios und vermutet, dass sich das Synchron-Geschäft in Zukunft ausdünnt, wenn weniger etablierte Sprecher*innen und Aufnahmestudios das momentane Auftragsloch nicht kompensieren können. Solange Theater geschlossen und Filmdrehs pausiert sind, kann auch die Maskenbildnerin Antje Wonneberger nicht ihrem eigentlichen Job nachgehen. Sie vernetzt sich gerade mit anderen Selbstständigen und setzt sich dafür ein, dass die Nöte und Sorgen der Kreativbranche Gehör finden.

Auch etwa 120.000 Angestellten der Filmindustrie geht es nach Schätzungen von US-Gewerkschaften in Hollywood ähnlich. Sie sitzen auf dem Trockenen, weil Produktionsfirmen wie Warner Bros., NBC oder Netflix ihren Betrieb heruntergefahren haben und keine Filmcrew mehr drehen können.

Der Verlust, den die gesamte Industrie in den USA hinnehmen muss, wird wahrscheinlich am Ende mehrere Milliarden Dollar betragen. In Deutschland sieht es nicht viel besser aus. Eigentliche Publikumshits wie Die Känguru-Chronikenwerden wohl erst beim Blu-ray und Streaming-Start die verpassten Zuschauermillionen nachholen. Weitere Einblicke und Einschätzungen hört Ihr im Podcast.

Linkliste – Shownotes

Presseberichte über die Folgen der Corona-Pandemie

SZ-Artikel über Kino in der Corona-Krise: „Wir machen weiter, solange es geht“

Spiegel Artikel über Filmbranche in der Coronakrise: Hollywoods Horror

Deutschlandfunk Kultur über Filmwirtschaft in Zeiten von Corona: Existenzbedrohende Krise vor der Tür

Hollywood Reporter über plötzliche Arbeitslosigkeit in der Filmbranche: „It’s a Disaster“

Vanity Fair mit Stimmen aus Hollywood: How Can Hollywood Keep Going in an Era of Social Distancing?

Übersicht über die derzeit verschobene Filmstarts

Antje Wonneberger

Webseite von Antje

Axel Rothe

Webseite von Axel

Wer liebt sie nicht? Die einzig wahre und gute Familie, bestehend aus einem Mann (der selbstverständlich für’s Geld verdienen zuständig ist), einer Frau (die selbstverständlich die Kinder erzieht und den Haushalt schmeißt) und zwei wohlerzogenen Kindern (die selbstverständlich ein Junge und ein Mädchen sind). Diese konservative Traumvorstellung hat mit der Realität der meisten Menschen nicht viel zu, propagieren und idealisieren kann man sie trotzdem – gerade in großen Hollywood-Blockbustern. In dieser Episode gehen wir gemeinsam mit Euch auf die Suche nach solchen konservativen Weltbildern im amerikanischen Kino.

Konservative Bilder stecken in vielen Filmen

Wer seine Lieblingsfilme nicht hinterfragen möchte, sollte diese Folge besser nicht hören. Denn auch in vermeintlich (und in Teilen tatsächlich) progressiven Filmen stecken konservative Narrative. Das hat natürlich oft damit zutun, dass gerade Hollywood-Filme so gut wie nie das Produkt eines einzelnen (vermeintlich) genialen Masterminds sind, sondern immer die Leistung eines großen (im Idealfall diversen) Teams.

Martin hat sich für das Filmmagazin ein paar solcher Blockbuster wieder angeschaut und ist auf Erstaunliches gestoßen. Zerstückelt werden von ihm zum Beispiel: The Dark Knight, Green Book oder Black Panther. Natürlich gibt es für diese Filme (wie für die meisten anderen auch) unterschiedliche Interpretationsansätze – doch bei dem ein oder anderen Film ergibt die konservative Lesart genau so viel Sinn, wie ein Bausparvertrag für einen weißen Mittelständler.

Hollywoods Sittenwächter – Der „Hays Code“

Nacktheit darf nicht gezeigt werden, kirchliche Würdenträger dürfen nicht als Bösewichte auftreten und auch über zu intensive Kuss-Szenen sollten geneigte Filmemacher*innen noch einmal nachdenken. Was heute sogar für erzkonservative Menschen angestaubt klingen dürfte, war von 1934 an bis in die späten 50er Jahre in Hollywood quasi gesetzt. „Quasi“ deswegen, weil es sich beim „Motion Picture Production Code“, wie der „Hays Code“ richtig heißt, eben nicht um Zensur handelte. Im Gegenteil. Der Code war eine von den großen Filmstudios sich selbst auferlegte Richtlinie, die einen staatlichen Eingriff in Form von Zensurgesetzen gerade verhindern sollte. Und das hat funktioniert. Wie genau – das erzählt Lucas im Podcast.

Linkliste – Shownotes

Zu Konservativen Bildern in Filmen

Wolfgang M. Schmitt über Superheldenfilme, Lieblingsfilme der Neuen Rechte und das Versagen der Filmkritik

Zeit-Artikel über den Boom des Glaubenskinos in den USA

Karl Mannheim über Konservatismus – Wissenssoziologie. Auswahl aus dem Werk

Vulture-Artikel über den Konservatismus in Green Book

Unsere Folge über Kapitalismuskritik

Zum „Hays Code“

Wikipedia: Motion Picture Production Code

Wikipedia: Will H. Hays

Lexikon der Filmbegriffe: Hays-Code

NPR: Remembering Hollywood’s Hays Code, 40 Years On

BPB: Weg zur Weltmacht 1898 bis 1945

Wikipedia: Roscoe Arbuckle